MOMA: ícono del arte moderno.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), se fundó como institución educativa y hoy en día es el museo de arte moderno más importante del mundo.

Sus obras reflejan la vitalidad, la complejidad, y los patrones del “unfolding” del arte moderno y contemporáneo y estimulan la comprensión de las nuevas tendencias artísticas que empezaron a fines del siglo diecinueve y continúan vigentes en la actualidad, destacando los progresos recientes significativos en las artes visuales y las nuevas interpretaciones de artistas importantes y de movimientos históricos del arte.

El arte moderno y contemporáneo supera límites de la creatividad y comprende todas las formas de expresión visual, incluyendo pinturas y esculturas, dibujos, libros, fotografías, arquitectura y diseño, películas y videos.

Las obras de arte se exhiben en instalaciones que cambian constantemente.

Visitar este museo implica crear un diálogo entre la vanguardia y lo experimental, el pasado y el presente, en la entrada hay un gran cubo en el “Atrium”, el cual establece una clara propuesta curatoria.

Los neoyorquinos le llaman cariñosamente "MoMA" a este museo que cubre casi una manzana en medio de rascacielos en el centro de Manhattan.

MoMA es uno de los centros de arte más famosos de Nueva York. Cada año atrae a cientos de miles de visitantes que acuden para admirar sus colecciones modernas recopiladas en los últimos 120 años. Entre sus piezas maestras se cuentan "El Bañista", de Paul Cezanne; "La Noche Estrellada", de Vincent Van Gogh; "Las Señoritas de Aviñon", de Pablo Picasso, "El Monumento a Balzac", de Auguste Rodin y Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, La persistencia de la memoria, Salvador Dalí, Lata de sopa Campbell, Andy Warhol, Los nenúfares, Claude Monet, Los amantes, René Magritte, Estación de Gas, Edward Hopper, Interior holandés, Joan Miró. También cuenta con obras clave del arte moderno de Henri Matisse, Robert Dalaunay, Joan Miró, Marc Chagall, Kandinsky, Constantin, Jackson Pollock y Edward Hopper.

Cuenta con departamentos de: pintura y escultura, arquitectura y diseño, dibujo, fotografía, cine y medios de comunicación, y grabado y libros ilustrados.

La sección dedicada al diseño constituye un compendio histórico de los momentos más relevantes en este campo, desde clásicos de la industria hasta muebles para el hogar, incluido un exprimidor de naranjas, un equipo de música digital y otros artículos de uso personal.

Tiene un Jardín de Esculturas con obras Auguste Rodin, Alexander Calder, Nevelson y Maillol y una sala de cine. Cuenta con dos restaurantes: el Garden Café, una cafetería y el Members Dining Room

La colección del MoMA incluye pinturas, esculturas, dibujos, grabados, fotografías, modelos arquitectónicos y objetos de diseño. También cuenta con una gran colección de películas, videos, posters, documentos históricos, libros, y archivos de miles de artistas, así como de todo el material relacionado con la historia de MoMA y del arte moderno y contemporáneo.

El MoMA presenta su línea ideológica: el criterio es ubicar al arte abstracto en el centro de sus colecciones y en “el lado correcto de la historia”. Con Monet se inicia un proceso histórico hacia la abstracción. Con los “Action Painters” norteamericanos se llega al clímax de la abstracción plástica. Reunir a Monet y a Rodin en el mismo espacio que los expresionistas abstractos, reubica a éstos como artistas de la talla del impresionista y del escultor.

Frente a Balzac, cuelga un gran cuadro de Joan Miró, artista catalán, otro pionero de la abstracción surrealista de Europa.

Un poco de historia.

En los años iniciales de la década de 1920 surgió entre un grupo de personas vinculadas a las artes, las finanzas y las letras de Nueva York la idea de crear un museo de arte contemporáneo cuyos principales objetivos fueran adquirir las mejores obras de arte moderno y presentar, a través de exposiciones, la obra de los maestros más importantes de la vanguardia. Ese coleccionismo no se centró exclusivamente en la pintura, ampliándose a la escultura, el dibujo, el grabado, la cinematografía, la fotografía o el diseño. La fundación de esta importante institución tuvo lugar en 1929 como una entidad privada, beneficiándose de numerosas donaciones de sus miembros o de empresas.

El MoMA abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929 en el Edificio Heckscher, ubicado en la calle 57 y la Quinta Avenida. Su director, Alfred H. Barr, Jr., pensó que este museo sería un puente de entendimiento de las artes visuales de principios del siglo pasado y que Nueva York tendría el museo de arte moderno más grande del mundo con estructura una multi-departamental.

Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, los artistas de aquella época pensaban que el cubismo, el arte abstracto, etc., era algo que chocaba con las líneas directrices que hasta ese momento se consideraban como la pauta en el verdadero arte.

En 1932 se cambió a 11 West Street, en parte del edifico en el que se encuentra actualmente.

El arranque definitivo se produce a partir de 1934, cuando Lillie P. Bliss donó un importante número de cuadros de su propiedad, acción secundada por importantes mecenas como Simon Guggenheim, J.D. Rockefeller, A.C. Goodyear o S.C. Clark. De esta manera se superaba la colección existente en el museo en 1932 que consistía de seis cuadros, ocho esculturas y dos dibujos.

El edificio que alberga al M.O.M.A. está situado en la calle 53 y es obra de los arquitectos Philip S. Godwin y Edward Durrell, obteniéndose para su construcción 25 millones de dólares en donativos. Las décadas de 1940 y 1950 trajeron consigo un insuperable aumento de las adquisiciones, creándose dos colecciones: la experimental y la permanente, destinadas a recoger arte de plena vanguardia y obras de reconocido prestigio, respectivamente.

En 1953 el arquitecto Philip Johnson, diseñó el jardín de esculturas de Abby Aldrich Rockefeller, y en 1956 adquirieron el edificio de al lado para construir la librería del museo.

En 1984, tuvo una remodelación dirigida por el arquitecto Cesar Pelli.

En 2002, se llevó a cabo la remodelación del MoMA por lo que estuvo cerrado del 21 de mayo de 2002, al 29 de junio de 2002, cambiando su sede a Queens.

El arquitecto japonés Yoshio Taniguchi transformó al MoMA en un museo nuevo. El diseño duplicó el espacio, y mantuvo elementos característicos de los museos tradicionales, como el jardín de las esculturas.

Después de una remodelación de dos años, el museo abrió sus puertas el 29 de noviembre de 2004.

Aunque el nuevo museo se ganó el favor de la crítica en términos estéticos, hubo muchas disputas por el costo que tuvo.

En un inicio, MoMA previó que gastaría unos 300 millones de dólares en la renovación y el proyecto de expansión.

Pero en ocho años, dicha suma llegó a 858 millones de dólares, sólo 425 millones dedicados a la renovación y el resto a la adquisición de terrenos adicionales, a la mudanza temporal al local de Queens y a actividades de recaudación de fondos.

Los fondos se obtuvieron principalmente de donaciones privadas en un momento en que la ciudad de Nueva York sufría una recesión económica tras los ataques del 11 de septiembre del 2001 que destruyeron las Torres Gemelas.

Pablo Picasso jamás hubiera imaginado cuando pintó "Les Demoiselles d'Avignon" en 1907 que esta obra precursora del cubismo sería una de las obras estelares del Museo de Arte Moderno de Nueva York y que sería vecina de la "Noche estrellada" de Van Gogh (1889) y "Danza" (1909) y el gran cuadro de cinco desnudos de Matisse.

“La Noche Estrellada”, una pieza maestra del pintor holandés Vicent van Gogh. Fue pintada en 1889, trece meses antes de su muerte, a la edad de 37 años, durante su estadía en el asilo de Saint-Remy-de-Provence, donde se recluyó debido a sus frecuentes ataques.

A diferencia de muchas otras de sus obras, Van Gogh pintó La noche estrellada de memoria y no a la vista del correspondiente paisaje como era su costumbre. Se piensa que es a ello que se debe el tremendo impacto que generalmente causa la pintura al espectador. Durante su estadía en el asilo, van Gogh se dedicó a pintar sobre todo los paisajes de la región de Provence. Es en ese período que rompe con el estilo impresionista, desarrollando un estilo muy personal donde prevalece el amarillo, símbolo de la luz y del calor que muestran el estado de ánimo eufórico del artista.

Cabe destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano, tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo empleada por Gaugin y Bernard.

Guillermo del Toro: Crafting Pinocchio es una exposición organizada de forma única durante el rodaje de la primera película de animación stop-motion del director mexicano. La película presenta una versión innovadora de la novela infantil de Carlo Collodi (1883), ahora ambientada en la época del fascismo en Italia.

En esta exposición, que coincide con el estreno de la película, los visitantes tendrán la experiencia de estar en el set de filmación; y podrán aprender directamente cómo grupo internacional de diseñadores, artesanos y artistas de animación, provenientes de Portland, Guadalajara, y Altrincham trabajaron como equipo para traer vida a la visión de del Toro.

Comenzando con la presentación de ediciones e interpretaciones clásicas y contemporáneas de Pinocchio provenientes de todas partes del mundo, la exposición también incluye diseños de producción, utilería y una muestra de las diversas fases utilizadas para confeccionar los títeres usados para la película. Los escenarios completos de la película, las pruebas de movimiento y videos de alta velocidad, documentan el complejo proceso de animación stop-motion que dio vida a los personajes del cuento.

La exposición concluye con una instalación inmersiva que reúne diseños exclusivos de videos y carteles de la filmografía de del Toro, incluyendo obras como El espinazo del diablo (2001), El laberinto del fauno (2006), Titanes del Pacífico (2013), La forma del agua (2017) y El callejón de las almas perdidas (2021).