Algunos de los cuadros más famosos del mundo.

La Gioconda

El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París y es visitado por millones de personas anualmente.

La técnica usada fue el esfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las copias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo.

La Última Cena

Pintura mural de da Vinci, en el que representa la última cena de la vida de Jesús en la que ofrece pan y vino a sus apóstoles. Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María de Gracia en Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.

Su fama aumentó con el libro y la película de Dan Brawn ‘El código da Vinci’.

La Noche Estrellada

La noche estrellada es una obra maestra del pintor neo-impresionista Vincent van Gogh. Muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada de memoria durante el día. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Las Tres Gracias

Como en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron.

La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.

Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens, Helena Fourment. Este cuadro fue adquirido por el rey Felipe IV de España entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento (30 de mayo de 1640). Pasó a decorar una de las salas del Alcázar de Madrid y en el siglo XIX ingresó en el Museo del Prado.

El Grito

El grito (en noruego Skrik), es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.

Es abundante en colores cálidos de fondo, luz semi-oscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

El Guernica

Uno de los cuadros más conocidos de Pablo Picasso, lo hizo como encargo del gobierno español por motivo del bombardeo en Guernica cuyo el 26 de abril de 1937. Los tonos grises se explican porque la primera noticia que tuvo Picasso del bombardeo fue a través del periódico. Se dice que en 1940 un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso. El pintor respondió: “No, han sido ustedes”. Está en el Reina Sofía de Madrid.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

La Creación de Adán

La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

Las Meninas

Se considera la obra maestra del pintor del siglo de oro español Diego Velázquez. El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de éste el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él.

El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los espectadores por toda su representación.

La Maja Desnuda

Es una de las más célebres obras de Francisco de Goya y Lucientes. Luego formó pareja con La maja vestida, datada entre 1802 y 1805.En ambas pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó «la Gitana». La primacía temporal de La maja desnuda indica que en el momento de ser pintado, el cuadro no estaba pensado para formar pareja.

Se ha especulado con que la retratada sea la Duquesa de Alba, pues a la muerte de ésta en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos majas, en forma similar a lo ocurrido con la Venus del espejo de Velázquez. Sin embargo, no hay pruebas definitivas ni de que este rostro pertenezca al de la duquesa de Alba ni de que no hubiera podido llegar la Maja desnuda a Godoy por otros caminos, incluyendo el de un encargo directo a Goya.

Los Girasoles

Es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh que destacan por la minuciosidad de sus trazos, pues el artista acostumbraba pintar con pinceladas fuertes y expresivas. Los cuadros muestran girasoles en las diferentes etapas de su vida, lo que le permitió utilizar toda la gama de amarillos.

De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón. Las pinturas fueron plasmadas en lienzos de cerca de 93 × 72 cm. Su casa en Arles con fachada amarilla, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, fueron la fuente de inspiraron para elaborar esta serie.

Los fusilamientos del 3 de mayo

Del autor Francisco de Goya, Los fusilamientos data de entre 1813-1814, perteneciente al Rococó español. Se trata de un óleo sobre lienzo y representa la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco histórico de la Guerra de la Independencia entre los días dos de mayo de 1808, día en el que los españoles se sublevan y que también está representado por dicho autor. Este cuadro fue un encargo de Luis María de Borbón y Vallabriga. Se conserva en el Museo del Prado.

La Persistencia de la Memoria

Con elementos extraños y una atmósfera onírica, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí se ha convertido en una de las piezas más icónicas del surrealismo. Pintada durante un periodo artístico inspirado por el dadaísmo, la obra maestra con relojes derretidos plasma la sensibilidad que definen este género experimental y excéntrico.

Fue pintada en 1931, durante el apogeo del movimiento surrealista y se guió por el peculiar “método paranoico-crítico“. Desarrollada por el artista en 1930, la técnica se basa en una paranoia autoinducida y en alucinaciones para facilitar la creación de una obra de arte. Este método fue especialmente decisivo en la creación de las “fotografías de sueños pintadas a mano” de Dalí, una colección de obras que tienen sus raíces estilísticas en el realismo pero que no son realistas en cuanto a su temática.

El Jardín de las Delicias

El jardín de las delicias es el nombre contemporáneo con el que se conoce a una de las obras más conocidas del pintor neerlandés Jheronimus Bosch (el Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 × 389 cm.

Es una obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la Mesa de los pecados capitales, obras, todas ellas, adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardadas durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial. Obedece a una intención moralizante y satírica que iba a hacer fortuna ya en su época, como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.

Forma parte de la exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.

El Nacimiento de Venus

Obra de Sandro Botticelli fue pintada entre los años 1482 y 1485, inscribe la sensibilidad propia del Renacimiento artístico, tiempo en que se volvieron a representar los mitos olvidados, en los cuales los renacentistas encontraban verdades escondidas sobre la naturaleza humana.

Una de las figuras mitológicas de mayor importancia fue la de Venus. La diosa pagana Venus o Afrodita, para los griegos, ha sido el símbolo, desde tiempos inmemoriales, de la fertilidad y el erotismo.

Botticelli recibió de Lorenzo Pierfrancesco de Médicis el encargo de representar la historia del nacimiento de esta diosa pagana, deidad que encuentra sus equivalentes en la diosa egipcia Isis o Iemanjá en Umbanda, entre otras.

Venus era conocida por el erotismo arrasador que emanaba sobre y por los otros, así como por ser una mujer con voz de mando, firmeza e inteligencia.

La obra mide aproximadamente 1,80 metros de alto y 2,75 metros de largo y se encuentra actualmente en el Museo Uffizi en Florencia, Italia.

La Libertad Guiando al Pueblo

Es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830, se encuentra en el Museo del Louvre de París.

El lienzo simboliza la Revolución de 1830 del día 28 de julio, mostrando una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia. Este último había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revuelta de ciudadanos franceses. No existió un único cabecilla; sin embargo, cabe destacar que el interés por la revuelta fue de clase, en la medida en que la burguesía se veía beneficiada del movimiento. Sin embargo, Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo, el cual es mostrado como multiforme, es decir, con miembros de las clases sociales media y baja. Así también, la Libertad es alegorizada como una mujer de suma belleza.

El Juicio Final o El Juicio Universal

Es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel, fue solicitado por el Papa Pablo III en 1535. Constituye el fresco de escenas bíblicas más grande jamás elaborado para ser dispuesto en la pared del altar de la Capilla Sixtina de San Pedro en la Ciudad del Vaticano, Roma, Italia.

El Dormitorio en Arles

Es un cuadro de Vincent van Gogh que representa el dormitorio del pintor durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés, un motivo sobre el que pintó tres cuadros casi idénticos. El primero, en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor. Cerca de un año después, emprendió la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del Museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

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